Кинематограф — это универсальный язык, что с лёгкостью преодолевает границы и языки общения, а также знакомит с чужими культурами. И если продукт кинематографа отчасти универсальная вещь, то развитие индустрии в той или иной стране протекает по-разному. Tvigle с головой погрузился в историю становления кинопроизводства разных стран и попытался выяснить ключевые особенности каждой из них на этом поприще.
Эволюция американской киноиндустрии
В начале 20-го века кинематографисты перебрались в Калифорнию с её благоприятным климатом и разнообразными пейзажами, подходящими для съёмочных процессов. Миграция дала старт становлению Голливуда в качестве центра американского кинематографа. Именно в этот период возникла студийная система, в которую вошли такие именитые компании как MGM, Paramount и Warner Bros. — все они уже тогда контролировали каждый аспект производства, дистрибуции и показа фильмов. Подобная вертикальная интеграция позволила студиям доминировать на рынке и привлекать талантливых специалистов, работающих по контракту.
1930-е и 1940-е годы, известные как Золотой век Голливуда, обернулись бурным производством фильмов и появлением культовых звёзд. В ходу были такие жанры как мюзиклы, вестерны и нуар; индустрия же процветала за счёт технологических достижений подобных техниколору — процессу получения цветного изображения из чёрно-белых диапозитивов. Тем не менее эта эпоха столкнулась с проблемами вроде введения кодекса Хейса, из-за которого фильмы подвергались строгой цензуре, если их создатели хотели выпустить свои картины в кинотеатрах.
Упадок студийной системы в 1950-х годах под влиянием антимонопольных постановлений и развития телевидения проложил путь к новым кинематографическим тенденциям. 1970-е годы ознаменовали эру блокбастеров с такими фильмами как «Челюсти» (Jaws) и «Звёздные войны» (Star Wars), которые стали кассовыми хитами и установили новые стандарты коммерческого успеха. Одновременно с этим приобрело известность независимое кино, которое предлагало нетривиальные сюжеты и инновационные методы кинопроизводства.
В 21-м веке произошла смена парадигмы с появлением стриминговых платформ: Netflix, Amazon Prime и Disney+. Онлайн-кинотеатры разрушили традиционные модели распространения фильмов, предлагая зрителям мгновенный доступ к широкому спектру контента. Пандемия COVID-19 благоприятно сказалась на этой тенденции, и многие студии сделали выбор в пользу одновременного выпуска новой картины в кинотеатрах и интернете. Стриминговые сервисы также стали важными игроками в процессе создания контента, вкладывая значительные средства в оригинальные фильмы и сериалы.
Переход Голливуда от студийной системы к стримингу отражает его умение быстро адаптироваться и оказывать устойчивое влияние на мировой кинематограф. В то время как технологический прогресс продолжает менять индустрию, Голливуд остаётся центральной фигурой в области создания историй, постоянно совершенствуясь ради покорения аудитории по всему миру.
От братьев Люмьер до Канн: история французского кино
В 1895 году французы Огюст и Луи Люмьер произвели революцию в сфере развлечений, создав синематограф — устройство, которое способно записывать, проявлять и проецировать движущиеся изображения. На их первом публичном показе, состоявшемся 28 декабря 1895 года в Париже, были продемонстрированы короткометражные фильмы «Выход рабочих с фабрики “Люмьер”» (La sortie de l'usine Lumière à Lyon) и «Прибытие поезда на вокзал города Ла-Сьот» (L' Arrivée d'un train à la Ciotat). Этот момент ознаменовал рождение кинематографа как общественного явления.
Инновационное изобретение братьев Люмьер вышло за рамки технологий: добившись успеха в своём деле, они начали отправлять операторов по всему миру, чтобы те снимали различные события и особенности жизни в других странах, что позволило получить первые кинохроникальные и документальные фильмы. После ощутимого старта, данного творением братьев Люмьер, французское кино развивалось в рамках нескольких направлений:
Авангард и импрессионизм (1920-е годы): Кинематографисты Абель Ганс и Жан Эпштей, экспериментировали с повествовательными элементами и визуальными техниками, делая акцент на личном выражении и психологической глубине.
Поэтический реализм (1930-е годы): Такие режиссёры, как Жан Ренуар и Марсель Карне, показывали в своих работах борьбу рабочего класса, смешивая лирику и реализм. Именно эти картины оказали влияние на эстетику будущих фильмов нуар.
Французская новая волна (1950—1960-е): Первопроходцы Франсуа Трюффо и Жан-Люк Годар нарушили традиционные кинематографические условности, используя ручные камеры и сценарии, построенные на импровизации. Всё это помогло в создании более личного кино с ощущением «здесь и сейчас».
Отдельного упоминания заслуживает Каннский кинофестиваль — один из важнейших кинофестивалей в мире. Он был основан в 1946 году и с годами стал престижным мероприятием в индустрии, где показывают новейшие фильмы со всего мира и вручают заветную Золотую пальмовую ветвь. Фестиваль служит платформой для международного сотрудничества и отражает неизменную приверженность Франции кинематографическим инновациям.
Начиная с прогрессивных шагов братьев Люмьер и заканчивая глобальным влиянием Каннского фестиваля, французская киноиндустрия постоянно влияет и обогащает искусство создания кино. Её наследие на поприще инноваций и художественных изысканий продолжает вдохновлять кинематографистов и зрителей по всему миру.
Не только Болливуд: история индийского кино
Путь индийского кинематографа начался в 1913 году с выходом фильма «Раджа Харишчандра» (Raja Harishchandra) — первого полнометражного художественного фильма Индии от режиссёра Джундираджа Говинда Пхальке. Немая картина заложила основы создания сюжета в индийском кинематографе, черпая вдохновение в мифологических сюжетах и традиционных видах искусства. В эпоху немого кино режиссёры Хиралал Сен и Р. Натарайя Мудальяр экспериментировали с медиа (в том числе с рекламой), тем самым создавая предпосылки для расцвета киноиндустрии.
Если брать знаменитый Болливуд, то здесь необходимо отметить несколько важных вещей: кино Болливуда выпускается на хинди, а производится по большей части в Мумбаи. Болливуд приобрёл известность в 1930-х и 1940-х годах, создавая фильмы, в которых сочетаются драма, музыка и танцы — стиль, известный как «масала» (созвучно с индийской смесью специй). Подобные фильмы нашли отклик у зрителей благодаря эмоциональным сюжетам и сложным песенно-танцевальным сценам, что стали отличительной чертой болливудского кинематографа. Золотой век индийского кино пришёлся на 1950-х и 1960-х годы, когда появились культовые актёры и режиссёры, ещё больше укрепившие популярность Болливуда.
Языковое и культурное разнообразие Индии привело к возникновению разных региональных киноиндустрий, каждая из которых вносит свой уникальный вклад в кинематографический ландшафт страны:
Толливуд: Кинопроизводство осуществляется на языке телугу и базируется в Хайдарабаде. Толливуд прежде всего известен благодаря зрелищным боевикам, получив всемирное признание за фильмы «Бахубали: Начало» (Bãhubali: The Beginning) и «Бахубали: Рождение легенды» (Bãhubali 2: The Conclusion).
Колливуд: Фильмы снимают на тамильском языке, а центр располагается в Ченнаи. Колливуд имеет богатую традицию в рассказывании историй, а его картины часто затрагивают социальные проблемы или используют нетипичные сюжеты.
Молливуд: Киноиндустрия штата Керала, которая осуществляется на языке малаялам. Эта отрасль индийского кинематографа известна своими реалистичными картинами и фильмами с сильным, бьющим по живому, содержанием.
Сандалвуд: Киноиндустрия на языке каннада в штате Карнатака. Прежде всего известна своим разнообразием жанров и растущей популярностью в последние годы.
В последнее время индийский кинематограф расширил своё присутствие на мировом рынке. Фильмы Болливуда завоевали международную аудиторию, а такие актёры, как Шах Рукх Кхан и Приянка Чопра Джонас, стали мировыми звёздами. Кроме того, индийские кинематографисты всё активнее участвуют в международных проектах, а их фильмы показывают на международных кинофестивалях. Отрасль не стоит на месте, продолжая осваивать новые технологии и приёмы повествования, сохраняя при этом богатое культурное наследие и предлагая аудитории разнообразие в сюжетном плане.
Рассказчики-бэнси и аниме: особенности японского кинематографа
Эпоха японского немого кино в начале 20-го века отличалась уникальной ролью бэнси —рассказчика, который вживую озвучивал комментарии к фильму во время показов. Находясь рядом с экраном, бэнси разъяснял сюжет, описывал внутренний мир персонажей и придавал эмоциональную глубину происходящему, заполняя разрыв между немым фильмом и зрителями. Известность бэнси и их мастерство рассказчика часто определяли успех картины. Подобная традиция не только улучшала впечатления аудитории, но и повлияла на развитие японской техники создания сюжетов.
В середине 20-го века случился золотой век японского кинематографа, благодаря таким режиссёрам-визионерам, как Акира Куросава и Ясудзиро Одзу. Картины Куросавы «Расёмон» (Rashomon) и «Семь самураев» (Shichinin no samurai) известны на весь мир своей динамикой и новаторскими техническими приёмами. В своих работах режиссёр часто исследовал человеческую сущность и социальные проблемы, что помогало найти понимание на международном уровне. Ясудзиро Одзу, напротив, был сосредоточен на тонкостях повседневной жизни и семейных отношениях. Одна из его известнейших работ «Токийская повесть» (Tokyo monogatari) пронизана минимализмом и глубокой эмоциональной составляющей, предлагая своеобразный созерцательный взгляд на послевоенное общество Японии.
Вторая половина 20-го века подарила мировой индустрии аниме — самобытную форму японской анимации, которая стала культурным феноменом. Начиная с таких ранних работ, как «Астробой» (Astro Boy), аниме постепенно стало охватывать различные жанры и стили, привлекая аудиторию всех возрастов.
К примеру, анимационная Studio Ghibli выпустила такие признанные критиками шедевры, как «Мой сосед Тоторо» (Tonari no Totoro) и «Унесённые призраками» (Sen to Chihiro no kamikakushi) — последний получил премию «Оскар» за лучший анимационный фильм. Уникальная эстетика аниме и его подача истории повлияли на мировую поп-культуру, что подчёркивает его значимость в современных международных медиа.
Неореализм и великие мэтры: история итальянского кино
История итальянского кинематографа восходит к началу 20-го века, когда началась эпоха немого кино. В этот период в Италии были сняты монументальные исторические эпопеи по типу «Кабирии» (Cabiria) режиссёра Джованни Пастроне. Картина 1914 года выделяется использованием крупномасштабных декораций, что было в новинку для кино, а также новаторскими движениями камеры. Ещё этот период подарил понятие «дивы» — гламурных актрис, таких как Лида Борелли и Франческа Бертини, которые стали культурными иконами и оказали существенное влияние на «звёздную» систему кинематографа.
После Второй мировой войны итальянское кино пережило этап преобразований, связанный с появлением неореализма. Новое движение стремилось изобразить суровые реалии повседневной жизни, сосредоточившись на борьбе бедных и проблемах рабочего класса. Режиссёр Роберто Росселлини с фильмом «Рим, открытый город» (Roma città aperta) и Витторио Де Сика с «Похитителями велосипедов» (Ladri di biciclette) отдавали предпочтение съёмкам натуры вместо декораций и привлекали непрофессиональных актёров, чтобы добиться реалистичного изображения послевоенной Италии.
Акцент неореализма на социальных проблемах и его непоколебимый реализм вложили свою лепту в мировой кинематограф, вдохновив кинематографистов на поиски более реалистичных и гуманистических сюжетов.
Также отдельного упоминания заслуживает ряд итальянских режиссёров, без которых трудно представить мировую киноиндустрию:
Федерико Феллини: Известен своим самобытным стилем, в котором сочетаются фантазия и вычурность. Его «Сладкая жизнь» (La dolce vita) и «8 с половиной» (8½) оставили неизгладимый след в авторском кино, исследуя сложные человеческие эмоции и социальные нормы.
Микеланджело Антониони: Его исследование современности и экзистенциализма в фильмах «Приключение» (L'avventura) и «Фотоувеличение» (Blow-Up) бросило вызов традиционным повествовательным структурам, повлияв на эволюцию художественного кино.
Пьер Паоло Пазолини: В работах противоречивого режиссёра «Аккаттоне» (Accattone) и «Евангелие от Матфея» (Il vangelo secondo Matteo) сочетаются поэтическое повествование с социально-политическими комментариями, предлагая своеобразный взгляд на итальянское общество.
Современное итальянское кино продолжает развиваться, затрагивая как национальные, так и общечеловеческие темы, понятные в любом уголке мира. Паоло Соррентино с фильмом «Великая красота» (La grande bellezza) и Маттео Гарроне с «Гоморрой» (Gomorra), завоевали международное признание благодаря захватывающим сюжетами и визуальному стилю в своих работах. Итальянская киноиндустрия также активно использует цифровые технологии и совместное с другими странами производство, расширяя охват и адаптируясь к глобализованному рынку. Кроме того, кинематографисты из Италии с каждым годом всё активнее участвуют в международных фестивалях, что свидетельствует о неизменном стремлении страны к совершенствованию кинематографа и инновациям в своём деле.
Сергей Эйзенштейн, советские ограничения и современный артхаус: киноиндустрия в России
В 1920-х годах советское кино приобрело роль мощного средства повествования и идеологического выражения. Пионером той эпохи был Сергей Эйзенштейн, чей новаторский подход в создании кино произвёл революцию в киномонтаже. Его знаменитая работа «Броненосец Потёмкин» 1925 года известна сценой на лестнице в Одессе, которая по сей день остаётся наглядным примером теории монтажа, изучаемом во всём мире.
Также стоит отметить роль кино в советской пропаганде: фильмы создавались для продвижения социалистической идеологии, прославления государства и просвещения масс. В эту эпоху создавались произведения, которые соответствовали государственным представлениям о том, что нужно обществу, а массовую привлекательность кинематографа использовали для эффективного распространения политических идей.
Распад Советского Союза в 1991 году стал важным поворотным моментом для российского кино: кинематографисты получили творческую свободу, что привело к появлению разнообразия тем и стилей в фильмах. Также индустрия столкнулась с трудностями, включая финансовые проблемы и конкуренцию со стороны западных фильмов, но это не помешало российскому кино пережить возрождение. Некоторые российские режиссёры получили международное признание, а их имена в настоящий момент ассоциируется с современным кино в России:
Андрей Звягинцев: Известный по фильмам «Левиафан» и «Нелюбовь» Звягинцев неоднократно получал высокие оценки мировых критиков, а также международные награды, в числе которых награды Каннского кинофестиваля.
Александр Сокуров: Его фильм «Русский ковчег» известен инновационным методом съёмки, при котором весь фильм снят с одного единственного дубля. При этом сюжетно картина охватывает сразу три века российской истории.
Никита Михалков: За «Утомлённых солнцем» режиссёр в 1994 году получил премию «Оскар», продемонстрировав мировую привлекательность российского кино.
Киноиндустрия в России, от своего зарождения как инструмента пропаганды до нынешнего статуса центра артхаусного кино, отражает культурные и политические преобразования в стране. Богатая история и постоянное развитие продолжают привлекать и очаровывать аудиторию по всему миру.
Пекинская опера, цензура и блокбастеры: путь китайского кинематографа
В начале XX века китайское кино во многом опиралось на Пекинскую оперу — традиционный вид искусства, известный своими стилизованными постановками и детализированными костюмами. Её влияние заметно в ранних китайских фильмах, которые часто адаптировали сюжеты оперы и повторяли эстетику, тем самым создавая уникальный кинематографический язык, понятный местной аудитории. Интеграция оперных элементов обеспечила привычную культурную основу, способствующую восприятию кинематографа как новой формы развлечения.
Культурная революция, случившаяся в 1966—1976 годах, оказала существенное влияние на китайский кинематограф. В эти года производство картин строго контролировалось со стороны государства, а основное внимание уделялось пропаганде социалистической идеологии. Многие фильмы попали под запрет, а до зрителя дошло ограниченное количество «образцовых примеров», в которых особое внимание уделялось революционным темам. Этот период подавлял творческое самовыражение, поскольку кинематографисты были вынуждены согласовывать свою работу с политическими директивами — всё это привело к значительному снижению кинематографического разнообразия и инноваций.
После окончания Культурной революции в 1980-х годах появилась новая волна кинематографистов, известная как Пятое поколение. Выпускники Пекинской киноакадемии, в числе которых Чэнь Кайгэ и Чжан Имоу, начали создавать работы с разнообразными сюжетами и прогрессивными визуальными приёмами. Фильмы «Жёлтая земля» (Huang tudi) и «Красный гаолян» (Hong gao liang) получили международное признание за художественное наполнение и пронзительное повествование, ознаменовав собой возрождение китайского кинематографа и познакомив с ним мировую аудиторию.
За последние десятилетия киноиндустрия Китая расширила своё присутствие на мировом рынке. Страна стала важным рынком сбыта для Голливуда, поскольку именно Китай способен приносить прибыль на уровне США. В то же время китайские картины «Война волков» (Zhan lang 2) и «Блуждающая земля» (Liu lang di qiu) показали способность Китая создавать высококачественные блокбастеры, привлекательные для мировой аудитории. Кроме того, расширилось сотрудничество между китайскими студиями и международными кинематографистами, что ещё больше интегрировало Китай в мировой кинематографический ландшафт.
Экспрессионизм и новое течение немецкого кино
После Первой мировой войны немецкие кинематографисты стали первопроходцами экспрессионизма в кино — движения, для которого характерны контрастное освещение, искажённые декорации и исследующие психологические потрясения темы. Этот стиль стремился передать субъективные эмоции, а не объективную реальность, и часто углублялся в мрачные и сложные человеческие переживания. Ярким примером киноэкспрессионизма служит «Метрополис» (Metropolis) Фрица Ланга — антиутопическая история, события которой разворачиваются в футуристическом городе. Фильм известен за счёт новаторских спецэффектов и амбициозных декораций, а также за счёт сюжета, завязанного на классовой борьбе и индустриализации в научно-фантастическом сеттинге.
С приходом к власти нацистского режима в 1930-х годах кинематограф стал инструментом влияния на массы при министерстве пропаганды Йозефа Геббельса. Кинематографисты вынужденно создавали произведения, пропагандирующие нацистскую идеологию, что привело к созданию фильмов, прославляющих режим и распространяющих антисемитский контент. Эпоха нацизма подавляла свободу творчества, поскольку киноиндустрия была кооптирована для достижения тоталитарных целей государства.
После Второй мировой войны немецкая киноиндустрия столкнулась с проблемой восстановления в условиях раскола страны. 1960-е и 1970-е годы ознаменовались появлением Нового немецкого кинематографического движения, возглавляемого режиссёрами Райнером Вернером Фассбиндером, Вернером Херцогом и Вимом Вендерсом. Эти кинематографисты стремились противостоять недавнему прошлому Германии и связанными с ним социальными проблемами с помощью новаторских сюжетов и стилистических экспериментов, позволивших оживить немецкое кино.
В последние десятилетия немецкое кино продолжает процветать, а кинематографисты добиваются мирового признания. Например, фильм Флориана Хенкеля фон Доннерсмарка «Жизнь других» (Das Leben der Anderen) получил «Оскар» в категории «Лучший фильм на иностранном языке», а основанный в 1951 году Берлинский международный кинофестиваль стал с годами одним из ведущих мировых фестивалей, демонстрирующих жизнеспособность современного немецкого кино.
Первопроходцы и неоспоримая многолетняя значимость британского кино
В конце 19-го века британский инженер-электрик Роберт У. Пол стал ключевой фигурой кинопроизводства, создав первые аналоги кинооборудования и сняв множество короткометражных фильмов с его помощью. Работы Пола заложили основу для развития кинематографа в Великобритании. Ещё одним ключевым участником стал Берт Эйкрз, который вместе с Полом разработал одну из первых 35-миллиметровых камер. Их сотрудничество дало старт созданию нескольких самых ранних британских фильмов.
В 1902 году в Великобритании появилась Ealing Studios, известная как старейшая киностудия в мире, что работает на сегодняшний день. Прославилась компания в 1940-х и 1950-х годах благодаря комедиям «Добрые сердца и короны» (Kind Hearts and Coronets) и «Убийцы леди» (The Ladykillers), которые с временем превратились в классику британского кино.
Ещё одной примечательной компанией выступает Hammer Film Productions, которая в 1950-х годах возродила жанр ужасов, выпустив «Проклятие Франкенштейна» (The Curse of Frankenstein) и «Дракулу» (Dracula). Картины с яркими цветами и атмосферными декорациями оказали ощутимое влияние на жанр хоррора в масштабах всего мира.
В последние десятилетия британское кино процветает благодаря сотрудничеству с Голливудом, создавая не только современную киноклассику, но и взращивая таланты с мировым именем. В их число входят такие титаны режиссуры как Кристофер Нолан и Ридли Скотт, а также актёры Дэниел Дэй-Льюис, Хелен Миррен и многие-многие другие. Лондон в настоящее время служит центром крупных кинопроизводств, а Британская академия кино и телевизионных искусств (BAFTA) отмечает выдающиеся достижения в индустрии, вручая награды из года в год.
Первые шаги и самобытность бразильского кино
Зарождение бразильского кинематографа произошло в конце 19-го века, а первые показы фильмов состоялись уже в 1896 году. Одной из важнейших фигур бразильского кино стал Афонсо Сегрето — именно он начал создавать немые фильмы, стремясь отразить суть бразильского общества. Его ранние работы заложили основу для национальной кинематографической традиции, несмотря на проблемы в виде ограниченных ресурсов и конкуренции со стороны импортных фильмов.
В 1960-е годах появилось кинодвижение Cinema Novo, которое стремилось революционизировать бразильский кинематограф, решая посредством фильмов проблемы социального неравенства и политические проблемы. Под влиянием итальянского неореализма и французской Новой волны кинематографисты Глаубер Роша и Нелсон Перейра душ Сантуш начали создавать художественные фильмы, в которых документальный реализм сочетается с инновационными техниками повествования. Движение Cinema Novo стремилось показать реалии бразильской жизни, часто фокусируясь на маргинализированных сообществах и бросая вызов существующему положению вещей.
После эры Cinema Novo бразильский кинематограф столкнулся с многочисленными препятствиями, включая политическую цензуру и экономические трудности. Однако конец 20-го и начало 21-го веков ознаменовались возрождением бразильского кино, которое подарило миру признанные критиками «Город бога» (Cidade de Deus) и «Во сколько она вернётся» (Que Horas Ela Volta?). Эволюция бразильского кинематографа отражает постоянный диалог страны со своей культурной самобытностью и общественными вызовами.
Взлёт южнокорейского кино
Истоки южнокорейского кинематографа восходят к 1920-м годам, когда на ранние фильмы сильно повлияло японское колониальное правление. Несмотря на ограничения, 1950-е и 1960-е годы стали Золотым веком для корейского кинематографа, у которого случился резкий рост производства и появился ряд влиятельных режиссёров. Среди известных работ этой эпохи — «Госпожа свобода» (Jayu buin) 1956 года, бросившая вызов традиционным нормам и отразившая современные изменения в обществе.
1990-е годы положили начало Новому корейскому кинематографическому движению, оживив индустрию благодаря инновационным сюжетам и стилистическим экспериментам. В этот период кинематографисты исследовали различные жанры и темы, часто затрагивая социальные и политические проблемы своей страны. Либерализация цензуры и увеличение инвестиций способствовали рассвету корейского кинематографа, что привело к появлению фильмов, получивших признание критиков как внутри страны, так и за рубежом.
В последние годы южнокорейский кинематограф добился беспрецедентного мирового признания, во многом благодаря работам режиссёров Пона Джун-хо и Пака Чхан-ука. «Паразиты» (Gisaengchung) Пона Джун-хо вошёл в историю, получив премию «Оскар» в качестве лучшего фильма 2019 года, а «Олдбой» (Oldeuboi) и «Служанка» (Agassi) Пака Чхан-ука получили международное признание благодаря оригинальным сюжетным линиям и визуальному стилю.
Эволюция южнокорейского кинематографа — это наглядный пример динамичного взаимодействия между культурным наследием и современными тенденциями, что делает индустрию важным элементом мирового кинематографического ландшафта.
Смотреть лучшие голливудские, французские, корейские и русские фильмы можно онлайн и в хорошем качестве на Tvigle!
