С чего началась анимация и кто повлиял на её становление в качестве индустрии, без которой сложно представить кинематограф? Tvigle собрал знаковых аниматоров и не менее знаковые анимационные проекты в попытке проследить историю развития ожившего рисованного искусства.
Первопроходцы анимации и появление Уолта Диснея
Эпоха немой анимации — это интересная глава в истории кинематографа, когда инновации и желание рассказать историю объединились, чтобы создать новую форму развлечений. В этот период, охватывающий начало 20-го века, появилась рисованная анимация, заложившая основу для создания ярких, оригинальных фильмов, которыми мы наслаждаемся сегодня.
До появления звука в кинематографе анимация полагалась исключительно на визуальные эффекты, чтобы увлечь аудиторию. В это время доминировала рисованная анимация, для которой характерны детализированные покадровые прорисовки. Первопроходцы жанра, такие как Эмиль Коль и Уинзор Маккей, использовали формат для изучения возможностей движения и самовыражения.
«Фантасмагорию» (Fantasmagorie) Коуля, вышедшую в 1908 году, часто называют первым полностью анимированным фильмом. Сюрреалистические образы и забавные переходы продемонстрировали потенциал анимации в качестве ещё одного способа рассказать историю. Чуть позднее работы Маккея «Маленький Немо» (Little Nemo) 1911 года и «Как действует комар» (How a Mosquito Operates) 1912 года показали мастерство реалистичного движения анимационных героев и глубину историй, укрепив репутацию Маккея в качестве провидца в жанре.
Эпоха немого анимированного кино по-настоящему раскрылась с созданием в 1914 году Уинзором Маккеем новаторского короткометражного фильма «Динозавр Герти» (Gertie the Dinosaur). Герти стал не просто персонажем, а настоящим чудом техники: скрупулезное внимание Маккея к деталям придало герою весомости и индивидуальности, которые поразили зрителей в то время. Игривые выходки Герти, в том числе её взаимодействие с Маккеем на экране, стёрли грань между реальностью и анимацией, установив более глубокую связь со зрителями.
Другие первопроходцы, в числе которых Джон Рэндольф Брэй и Отто Мессмер, также внесли значительный вклад в эволюцию жанра. Подход Брэя в производстве упростили процесс анимации благодаря использованию многоразовых фонов, в то время как Мессмер создал и представил миру в 1919 году Кота Феликса, ставшего первой анимационной суперзвездой. Выразительный дизайн Феликса и его универсальная привлекательность сделали его культурной иконой, показав, что анимационные персонажи могут преодолевать языковые барьеры.
В то время как ранняя анимация часто была экспериментальной, киностудии постепенно начали осознавать коммерческий потенциал анимационных фильмов, что привело к созданию специализированных отделов внутри компаний. В этот переломный период начал действовать Уолт Дисней, в ранних работах которого живые сцены часто сочетались с анимацией — ярким примером служит «Страна чудес Алисы» (Alice’s Wonderland) 1923 года. Первые работы Диснея ознаменовали начало новой эры, когда история в анимации стала занимать центральное место, а уже к концу 1920-х годов жанр встал на путь индустрии, готовой произвести революцию в кинематографе.
Прорывное видение Уолта Диснея
В 1928 году Уолт Дисней представил миру Микки Мауса в новаторском короткометражном фильме «Пароход Уилли» (Steamboat Willie). Важно отметить, что это было не первое появление Микки Мауса на экранах, но именно этот фильм сделал его узнаваемой звездой. Почему? «Пароход Уилли» стал первым анимационным фильмом, в который успешно добавили синхронизированный звук.
Революционное использование звука в фильме — от насвистываний Микки до синхронных движений в такт музыке — покорило зрителей и стало прецедентом для индустрии. Фильм продемонстрировал потенциал анимации как средства, позволяющего органично сочетать визуальные эффекты и звук, тем самым оставив в прошлом немые короткометражки. В тот момент компания Disney не только создала культового персонажа, но и дала старт новой эре анимационного повествования.
Дисней не остановился на синхронизированном звуке и постоянно расширял границы возможностей анимации. Одним из его значительных нововведений стало внедрение в анимацию технологии техниколора. «Цветы и деревья» (Flowers and Trees) 1932 года стал первым короткометражным анимационным фильмом, в котором использовали трёхплёночный техниколор, благодаря чему на экране можно было увидеть непривычно яркие оттенки и реалистичные визуальные эффекты. Короткометражка не только поразила воображение зрителей, но и получила «Оскар» за лучший короткометражный анимационный фильм.
Ещё одним новшеством Диснея послужила раскадровка. Впервые разработанная в начале 1930-х годов, она стала исполнять для аниматоров роль визуальной дорожной карты, позволяющей лучше планировать и связывать повествование в единое целое. Эта техника стала стандартом в отрасли, оказав влияние не только на анимацию, но и на производство фильмов с живыми актёрами.
Стремление Disney к прорывным решениям достигло новых высот с выходом в 1937 году фильма «Белоснежка и семь гномов» (Snow White and the Seven Dwarfs). Этот полнометражный анимационный фильм с синхронизированным звуком, разнообразной цветовой гаммой и утончённой историей оказал на зрителей того времени ни с чем несравнимый кинематографический эффект.
Ранние фильмы Уолта Диснея не просто развлекали — они взяли на себя роль культурного феномена. Имена персонажей Микки Мауса, Дональда Дака и Гуфи стали нарицательными во всём мире, а фильмы, подобные «Белоснежке», доказали, что анимация может быть такой же трогательной и невероятной, как и кино с живыми актёрами. В 1940 году студия Disney выпустила «Фантазию» (Fantasia) — смелый эксперимент, в котором классическая музыка сочеталась с анимационными эффектами. Несмотря на то, что изначально фильм вызвал разногласия, новаторское использование стереофонического звука и абстрактной анимации сделало его шедевром.
Золотой век анимации с гигантами индустрии Warner Bros. и MGM
Золотой век анимации был временем огромных творческих проявлений и жёсткой конкуренции, поскольку к освоению жанра приступили легендарные студии Warner Bros. и MGM. Эпоха ознаменовалась появлением культовых персонажей, новаторским подходом к повествованию и особым акцентом на юмор, которые определили будущее анимации.
Золотой век анимации, длившийся с 1930-х по 1950-е годы, характеризовался стремлением к инновациям и способам увлечь зрителей. В то время как Disney стала первопроходцем анимационного кино, Warner Bros. и MGM прокладывали свой собственный путь, создавая остроумные, динамичные короткометражки, которые вызывали смех в кинотеатрах по всему миру.
Студия Warner Bros. использовала уникальный подход к анимации, сочетающий сатиру, фарс и остроумные диалоги. Под творческим руководством легендарных аниматоров Чака Джонса, Текса Эйвери и Фриза Фрилинга студия создала коллекцию культовых анимационных работ, которые нашли отклик у зрителей всех возрастов. В то же время MGM вышла на конкурирующее поле со своим собственным стилем анимации. Создавали шедевры Текс Эйвери (который позднее перешёл из Warner Bros.), Уильям Ханна и Джозеф Барбера — проекты MGM были настолько же визуально впечатляющими, насколько и комедийными. Студия уделяла особое внимание сюжету и персонажам, что часто существовали с оттенком абсурда.
Одним из величайших достижений Золотого века анимации стало появление неподвластных времени персонажей. Warner Bros. подарила миру трикстера Багза Банни, чьи выходки приводили зрителей в восторг, а MGM покорила сердца аудитории Томом и Джерри. Дуэт, созданный Уильямом Ханной и Джозефом Барберой, поднял физическую комедию на новую высоту. Каждая короткометражка представляла собой мастер-класс по визуальным гэгам, идеально поставленным под музыку и почти лишённым диалогов — свидетельство силы чистой анимации.
Студия Warner Bros. посредством анимационных сериалов Looney Tunes и Merrie Melodies изучала различные комедийные стили, часто пародируя современную культуру, политику и даже другие фильмы. Аниматоры студии понимали, что отличная анимация — это не просто движение, это передача истории, которая вызывает зрительский отклик. В свою очередь MGM уделяла особое внимание искусству выбора времени и темпа. Например, хаотичные сражения между Томом и Джерри были тщательно проработаны, чтобы создать максимальный комедийный эффект. Способность студии сочетать юмор с эмоциональными моментами придала этим короткометражкам универсальную привлекательность на долгие годы.
Приход анимации на телевидение
Телевизионный бум середины 20-го века перенёс анимацию из кинотеатров в гостиные по всему миру. С появлением доступных телевизионных программ студии начали адаптироваться к маленькому экрану, создавая шоу, которые не только развлекали, но и формировали детство целых поколений.
1950-е и 1960-е годы стали поворотным периодом, а во главе изменений стояла студия Hanna-Barbera Productions под руководством Warner Bros. В 1960 году Hanna-Barbera представила «Флинстоунов» (The Flintstones) — первый анимационный ситком, вышедший в эфир в прайм-тайм. Вдохновлённые комедийными сериалами тех лет, «Флинстоуны» с юмором рассказывали о жизни современной семьи в доисторическом мире. Благодаря понятным персонажам, остроумному юмору и эпизодичности сериал стал хитом как среди детей, так и среди взрослых. Успех «Флинстоунов» заложил основу для таких анимационных хитов как «Симпсоны» (The Simpsons) и «Гриффины» (Family Guy).
Адаптация анимации для телевидения была сопряжена с трудностями, в первую очередь из-за ограниченного бюджета и более жёстких графиков производства по сравнению с театральными короткометражками. Это привело к созданию экономически эффективных анимационных стилей, которые стали синонимом телевизионной анимации.
Hanna-Barbera Productions впервые применила подход «ограниченной анимации», при котором удалось сократить количество рисунков в секунду. Повторно используя фоновые изображения и делая упор на юмор, студия смогла эффективно создавать высококачественный контент в виде мультсериалов «Приключения медведя Йоги» (The Yogi Bear Show), «Джетсоны» (The Jetsons) и «Где ты, Скуби-Ду?» (Scooby-Doo, Where Are You!), тем самым продемонстрировав потенциал рационализированного подхода.
Телевизионный бум не только привёл в дома зрителей мультипликационных персонажей, но и превратил их в культурные символы. Субботнее утро стало для детей своеобразным ритуалом благодаря тому, что телеканалы стали посвящать анимационным шоу целые блоки программ. Мультфильмы Hanna-Barbera Productions, в частности, занимали особое место в эти периоды, захватывая воображение юных зрителей. «Том и Джерри» (Tom and Jerry), «Смурфики» (The Smurfs) и «Джонни Квест» (Jonny Quest) стали основными развлечениями для детей, предлагая сочетание юмора, приключений и нравственных уроков. Доступность анимации на телевидении означала, что дети из всех слоев общества могли наслаждаться историями, что и помогло создать общий культурный опыт.
Помимо развлечений, эти шоу часто несли в себе тонкие образовательные идеи, прививая такие ценности, как дружба, командная работа и настойчивость. Они также знакомили мировую аудиторию с американской поп-культурой, влияя на вкусы и тенденции далеко за пределами США.
Рассвет цифровой анимации
Цифровая революция в анимации преобразила индустрию и раздвинула границы творчества благодаря новым технологиям и инструментам. В основе этого сдвига лежал переход от традиционных методов рисования от руки к технологии CGI, изменившей правила игры как в рассказывании историй, так и в реализме.
До появления цифровой анимации в индустрии преобладали рисованные техники и покадровая анимация. Хотя эти традиционные методы создавали потрясающие эффекты, они всё же были трудоёмкими и ограниченными. CGI заменила ручки, карандаши и глиняные модели, позволив аниматорам создавать динамичные трёхмерные миры.
Первые проблески компьютерной графики появились в конце 1970-х и в 1980-х: технология, пусть и ограничено, использовалась в фильмах «Трон» (Tron) 1982 года и «Молодой Шерлок Холмс» (Young Sherlock Holmes) 1985 года. К началу 1990-х годов развитие компьютерных технологий позволило аниматорам создавать CGI-окружение и персонажей, а студии начали изучать возможности визуализации реалистичных текстур, сложного освещения и сложных движений, тем самым открыв новую главу в истории цифровой анимации.
Если и есть анимационная студия, олицетворяющая революцию в области компьютерной графики, то это Pixar. Основанная как подразделение Lucasfilm и позже приобретённая Стивом Джобсом, Pixar стремилась создавать анимационные фильмы исключительно с помощью компьютерной графики. В 1995 году студия достигла своей цели, выпустив «Историю игрушек» (Toy Story) — первый в мире полнометражный фильм, выполненный с помощью компьютерной анимации.
«История игрушек» стала настоящим открытием, покорив зрителей не только потрясающими визуальными эффектами, но и проникновенной историей, узнаваемыми персонажами и безупречной анимацией. Ковбой Вуди, астронавт Базз Лайтер и их игрушечный мир показался зрителям более ярким и живым, чем всё, что можно было увидеть в анимации до этого. Успех «Истории игрушек» не только укрепил репутацию Pixar, но и доказал, что CGI — это будущее анимации. После «Истории игрушек» Pixar продолжил расширять границы возможностей с помощью создания мультфильмов «Приключения Флика» (A Bug’s Life), «В поисках Немо» (Finding Nemo) и «Суперсемейка» (The Incredibles).
Переход на CGI изменил не только внешний вид анимации, но и повлиял на истории. С помощью CGI аниматоры смогли создавать огромные миры, экспериментировать с движением камеры и воссоздавать сложные эмоции персонажей, что было невозможно с традиционными методами. Выполненные с помощью компьютерной графики «Шрэк» (Shrek) 2001 года и «Холодное сердце» (Frozen) 2013 года познакомили зрителей с историями, оказавшимися больше, чем сама жизнь. Привнесённый технологиями реализм позволил аниматорам создать сюжет, персонажей и окружение с беспрецедентной детализацией, сделав повествования более тонким и эффектным.
За пределами Голливуда: мир анимации в других странах
Анимация в ходе своего развития превратилась в глобальный вид искусства, что впитывает в себя особенности той или иной страны. Замысловатое японское аниме, утонченность европейской анимации и инновационное видение в России — всё это обогатило среду на международном уровне.
Японское аниме является одним из самых влиятельных мировых трендов в анимационной индустрии. Его корни уходят в 20-й век, но международную известность жанр приобрёл благодаря сериалу «Астробой» (Astro Boy) 1963 года, а также фильмам «Акира» (Akira) и «Унесённые призраками» (Sen to Chihiro no kamikakushi). Работы Studio Ghibli, в частности, продемонстрировали способность аниме сочетать захватывающий визуал с глубоким проникновенным повествованием. Привлекательность аниме заключается в его универсальности, поскольку жанры и темы подходят для всех возрастных групп: от экшен-сериалов в духе «Наруто» (Naruto) до философских исследований в фильме «Призрак в доспехах» (Koukaku Kidoutai).
Европейская анимация, особенно французская, заняла собственную нишу, делая упор на художественное самовыражение и авангардные истории. Такие фильмы, как «Трио из Бельвилля» (Les triplettes de Belleville) и «Эрнест и Селестина: Приключения мышки и медведя» (Ernest et Célestine), демонстрируют тягу страны к экспериментам и желанию сделать нечто по-своему очаровательное. Французские студии часто отдают предпочтение техникам ручной рисовки, создавая визуально отличительные работы, которые стоят особняком от мейнстрима с доминирующим CGI.
Российская анимация имеет богатую историю, основанную на традиционных историях и экспериментальных техниках. Студия «Союзмультфильм» создала огромное количество культовой классики, в числе которой «Ёжик в тумане» и «Снежная королева». В этих проектах удачно смешаны фольклор и уникальные художественные стили. В последние годы российские аниматоры осваивают современные технологии, сохраняя при этом культурную самобытность. К примеру, серия мультфильмов «Снежная королева» 2012 года получила международное признание за свежий взгляд на уже знакомые сюжеты.
В то время как Голливуд часто придерживается коммерческих формул, международные студии экспериментируют с визуалом и сюжетами. Аниме, часто вдохновлённое мангой и традиционным японским искусством, исследует универсальные темы любви, утрат и жизнестойкости. Французская анимация находится под сильным влиянием художественного наследия страны, часто используя классические техники и сюрреалистические образы. Российская анимация задействует фольклор и поэтические визуальные эффекты, провоцируя удивление и щемящее чувство ностальгии.
Анимация в эпоху стриминга: неограниченные возможности
Стриминговые платформы Netflix, Hulu и Amazon Prime перевернули традиционные модели производства и распространения анимации. В отличие от обычных телевизионных сетей, которые часто ориентируются на определённую аудиторию и придерживаются жёстких графиков, стриминговые платформы предлагают гибкость в создании контента и привлечении аудитории. К тому же стриминг предоставляет создателям свободу экспериментировать с нетипичными темами, жанрами и стилями. Такие шоу, как «Большой рот» (Big Mouth) и «Любовь, смерть и роботы» (Love, Death & Robots), исследуют зрелые темы, которые было бы сложно раскрыть в традиционных сетевых условиях.
Стриминговые сервисы помогли донести анимационный контент разных стран до мировой аудитории. Одно шоу может одновременно транслироваться в нескольких странах, преодолевая географические и языковые барьеры. Подобная глобальная доступность привела к активному международному сотрудничеству и появлению разнообразных сюжетов. Возможность посмотреть все сезоны сразу также изменила отношение к анимации: стриминговый функционал позволил аниматорам создавать сложные и длинные сюжеты, зная, что зрители могут смотреть эпизоды друг за другом.
Успех некоторых сериалов на стриминге также благоприятно сказался на индустрии. К примеру, вышедший в 2014 году на Netflix «Конь БоДжек» (BoJack Horseman) открыл новые горизонты в анимации для взрослых. Шоу сочетало юмор, эмоциональную глубину и острые социальные комментарии, предлагая зрителю тонкий подход к раскрытию тем психического здоровья, славы и личностного роста. Способность сериала затрагивать серьёзные темы, сохраняя при этом комедийный тон, нашла отклик у зрителей, доказав, что анимация может быть интересна взрослым на самом глубинном уровне. «Конь БоДжек» продемонстрировал, что стриминговые платформы готовы инвестировать в рискованный контент, тем самым прокладывая путь для более зрелых анимационных сериалов.
Выпущенный в 2021 году сериал «Аркейн» (Arcane: League of Legends) от Riot Games и Netflix также переосмыслил возможности стриминговой анимации. В шоу, основанном на популярной игре League of Legends, потрясающие визуальные эффекты «уживаются» с захватывающим многослойным повествованием, а уникальный художественный стиль, сочетающий традиционные 2D-технологии с ультрасовременной 3D-анимацией, установил новый стандарт визуального повествования. «Аркейн» не только привлёк внимание любителей игр, но и завоевал широкую аудиторию, став одним из самых популярных анимационных сериалов Netflix. Он наглядно показал, как стриминговые платформы могут поднять качество анимации до кинематографического уровня.
Смотреть лучшие мультфильмы можно онлайн и в хорошем качестве на Tvigle!
